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Cultura árabe

¿Cuándo llegaron los musulmanes a Pamplona?

¿Cuándo llegaron los musulmanes a Pamplona?

Los musBanu Qasiulmanes llegaron a Pamplona en el año 716 tras una rápida conquista peninsular, y en el 732 estableció Abderramán I en Pamplona su cuartel general antes de marchar a Poitiers donde sería derrotado.

Al principio se trató de una ocupación pacífica gracias a un sistema de pactos y tributos (el amán). Muy pronto se iniciaría la reconquista sucediéndose las guerras y expediciones de castigo, aunque alternándose períodos de alianzas, convivencia y hasta lazos de sangre.

La historia con mayúsculas nos cuenta que en el año 778 Carlomagno volvía de Zaragoza (Saraqusta) donde el valí Huseyn le había dado calabazas y cerrado las puertas de la ciudad. Así que como desahogo arrasó Pamplona (según la Crónica del Príncipe de Viana “para que los moros non se podiesen otra vez con eilla alzar”), pero al marcharse por Roncesvalles sufrió su más humillante derrota, seguramente a manos de un ejército combinado de tropas vasconas y musulmanas

Anillo árabe

Anillo con inscripciones cúficas hallado en el Condestable. Foto del Proyecto Mauranus.

En el siglo IX los caudillos locales se aliaron con los Banu-Qasi para rebelarse contra el Califato de Córdoba, proclamando a Íñigo Arista como primer monarca del Reino de Pamplona, que así se llamará hasta que en 1164 se denomine Reino de Navarra. Sucesivas operaciones de castigo musulmanas llegarán hasta Pamplona, Abd-alRahman II (843), Abd-al-Rahman III (924), o Almanzor (999), aunque el dominio cristiano ya será permanente.

Las excavaciones en la Plaza del Castillo sacaron a la luz más de 200 enterramientos conforme al rito islámico (hacia la Meca, sin ajuar y directamente sobre la tierra) y una interesante prueba de cohabitación nos la aporta el anillo con inscripciones cúficas (escritura arábiga) encontrado en un enterramiento de la necrópolis del Condestable (siglos VI a IX) que sigue el ritual cristiano.

    MOROS Y CRISTIANOS. MUCHO MÁS REVUELTOS DE LO QUE SE CREE.

Las alianzas y enlaces matrimoniales entre las monarquías navarras cristianas y los califatos musulmanes fueron habituales y alcanzan incluso a los caudillos más conocidos y de evocadores nombres: el moro Muza, Abderramán y Almanzor.

Estas relaciones se inician en paralelo a la creación del reino pamplonés cuando la madre de Iñigo Arista se casó en segundas nupcias con Musa Ibn Fortún dando a luz a Musá II, popularmente el moro Muza, el más famoso de la saga de los Banu Qasi (hijos de Casio), descendientes del noble visigodo Casio quien se convirtió al Islam a cambio de conservar sus dominios.

Musá II era hermanastro de Iñigo Arista y además se casó con su hija Assona-, mientras que el primogénito del Arista, el Rey García Íñiguez, lo hizo (año 858) con Oria, hija de Musá II, un personaje que tejió y destejió alianzas con el reino astur, el de Pamplona, los francos y el califato Omeya, guerreando o pactando en todos los frentes según le convino hasta independizarse del Emirato de Córdoba con el titulo de Tercer Rey de España, nada descabellado pues dominaba la marca superior de Al Andalus.

El rey Fortún Garcés continúa la saga entrecruzada, pactando el enlace de su hija Oneca Fortúnez (nacida hacia 847), con Abd Allah (hijo del emir Mohamed I y de una vascona llamada Ushar) que será el séptimo emir de Córdoba. Con Oneca tuvo a Muhammad, quien tomó como esposa a otra vascona, en las crónicas llamada Muzayna (Lluvia) con la que engendró a Abderramán III. Se trata del futuro sucesor, el califa Abderramán III, quien siendo nieto de Oneca y biznieto del rey Fortún Garcés no mostró mucho apego a sus raíces ya que en el 920 derrotó al rey Sancho Garcés I en Valdejunquera, penetró en Navarra saqueando y arrasando lo que halló a su paso y llegó hasta Pamplona, donde derribó la catedral. Abderramán III se casó con la vascona Maryam (de momento van tres), cuyo hijo fue el califa Al-Hakán II.

Para complicar más las relaciones -esto parece Falcon Crest o Dinastía- Oneca Fortúnez volvió a Navarra con 33 años y se casó con su primo Aznar Sánchez de Larraún, de cuya unión nació Toda Aznar que será reina de Pamplona al casarse con Sancho Garcés I. La reina Toda fue por derecho propio el personaje más poderoso de su época tras enviudar en el año 925 y hacerse cargo del Reino cuando el heredero -el rey García Sánchez I- tenía seis años de edad. Firmó un tratado de no agresión con Abderramán III (su sobrino carnal) en el 934. Y muy conocido es el viaje que la reina Toda realizó con ochenta años a Córdoba para rendir vasallaje a Abderramán III y en especial para que el famoso médico judío Hasday Ben Hasprut curase la obesidad de su nieto Sancho, quien debido a su gordura había sido apartado del reino de León por su primo Orduño IV. No sólo volvió delgado sino que el califa puso a su disposición un ejército, gracias al cual repuso a Sancho I el Craso como rey de León.

Retomamos al califa Al-Hakán, cuya concubina era la vascona Subh (Aurora), que engendró a sus dos únicos varonealmanzors, Abd Al-Rahman e Hixam, pasando de esclava a convertirse en princesa grande (Sayyida al-qubra) y más tarde sultana madre (Sayyida al-walida). En el año 976 su hijo Hixam II se convirtió en tercer califa omeya de Córdoba a la edad de once años, pero Amir Muhammad Ibn Abi, (al-Mansur o el Victorioso, popularmente Almanzor), asumió la jefatura militar y el gobierno durante casi veinte años, sembrando el terror en los territorios cristianos, contabilizándose hasta 59 expediciones militares.

Almanzor tuvo dos hijos, Abd al-Malik y Abderramán, éste último -¡otra vez!- se casó con una concubina cristiana, nada menos que la hija del rey de Navarra, Abda Sánchez -apodada la Vascona-, literalmente entregada como rehén para apaciguar a Almanzor, y con Abderramán tuvo un hijo apodado «Sanchuelo”, debido al gran parecido con su abuelo el rey Sancho Garcés II, quien por cierto visitó a su nieto cuando viajó a Córdoba en 992 para pactar con Almanzor. Éste muere en el año 1002 tras ser herido en Catalañazor, y en el año 1008 Abderramán (Ibn Sanchul en las fuentes árabes), el nieto musulmán del rey navarro, se convirtió en caudillo del califato cordobés, aunque poco le duró pues fue asesinado al año siguiente.

En resumen, el titular no puede resultar más llamativo: desde el bisabuelo hasta el nieto de Abderramán III todas las los emires y califas de Al Ándalus tuvieron madres vasconas. Mujeres que eran entregadas como mercancía y formaban parte de pactos matrimoniales (incluidas dos princesas e hijas de reyes: Onneca y Abda Sanchez), también eran tomadas como rehenes para evitar represalias e incluso eran secuestradas en algún caso. Cómo vivieron allí, si se adaptaron o si añoraron su tierra es algo que desconocemos, podemos imaginar una cosa y su contraria, que vivían aterrorizadas entre infieles o bien que en el siglo IX la comparación entre Córdoba y Navarra era abismal y que pudieron incluso disfrutar del refinamiento, el arte, el clima, la higiene y las comodidades de la corte cordobesa.

¡Interesante verdad! ¿y a ti?, te llama la atención el islam y su libro sagrado del Corán? Personalmente, creo que tenemos una idea muy equivocada y negativa sin saber nada apenas. A mi personalmente me gustaría estudiarlo. 

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Cultura árabe Danza Oriental

Shaabi “Mahraganat”

Shaabi "Mahraganat"

    ORIGEN:

El Shaabi egipcio es considerado un estilo de música y también, un tipo de danza. Sus orígenes son muy antiguos y los movimientos que lo caracterizan provienen de los bailes rurales de Egipto. Sin embargo, este tipo de música y baile se ha desarrollado más bien en las grandes ciudades dentro de los barrios populares de clase social media – baja.

La palabra Shaabi significa“… de la Gente”“… del Pueblo”, o sea, es el baile de la
gente de la calle y sus canciones hablan de forma muy explícita y con letras
coloquiales de política, historias personales o de barrio, amor e incluso juegos
de palabras construyendo frases a veces aparentemente sin sentido.

En las calles del Cairo…

     MÚSICA:
En la música Shaabi actual se utilizan instrumentos antiguos y tradicionales como por ejemplo la Darbouka y el Mezmar junto a ritmos electrónicos y mezclas de jóvenes DJ dando vida a lo que actualmente se empieza a llamar “Mahragan” o “Electro – Shabi”, una especie de Rap del panorama Urbano de Egipto.

El mayor exponente de este estilo de música fue el cantante Ahmed Haddaweya
que en los años 70 llevó este género musical a los Cabaré del Cairo y a la Industria Musical.

Actualmente…

Como cantantes más recientes tenemos a Hakim, Saad El Saghir, Mahmoud El Lathy, Ahmed Gamal, Amina, etc.

El Shaabi es la Danza Oriental en estado puro ya que se baila como las mujeres árabes de barrio que sienten la música desde dentro. Alegre, coqueto, desenfadado y muy atrevido. Es un estilo privado de técnica clásica y contemporánea sin muchos giros ni desplazamientos complejos pero caracterizados por una cadera dinámica y poderosa típica de los bailes folclóricos. Otra de sus mayores características es la expresión gestual ya que se baila sobre canciones con palabras donde el lenguaje es muy coloquial, más bien “callejero”.

Las canciones son rápidas y las coreografías muy divertidas.

    VESTUARIO:
En el ámbito de las performances se suele bailar el Shaabi con galabeyas vistosas y atrevidas… en los últimos años se ha empezado a utilizar el vaquero para definir el carácter urbano y moderno de este estilo.

¿Qué te ha parecido? ¡Mucha marcha verdad!

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*Gracias Alessandra  D’Ambra Danza por las fuentes.

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La música Tunecina

La música Tunecina

La música tunecina es el resultado de una mezcla.

Según Mohammed Abdel Wahab, la música tunecina también ha sido influenciada por viejas canciones andaluzas inyectadas con influencias turcas, persas y griegas. Considera que la música tunecina ha pasado por tres fases de influencias externas:

LA PRIMERA procedente de Oriente y cuyo centro estaba en La Meca y Medina.

LA SEGUNDA procedente de la España musulmana que fue el centro de Andalucía.

Y LA ULTIMA procedente del Imperio Otomano y cuyo el centro era Estambul.

El legado de sus tres fases se ilustra, respectivamente, en la creación de la música tradicional tunecina, el Malouf, la introducción del Nuba en la música tunecina y, finalmente, el uso de formas como el turco, el samai y el bashraf. También influenciado por la cultura occidental, está relativamente diversificado.

De gran importancia en la música clásica tunecina es el Malouf. Derivado del reinado de los aglabíes en el siglo XV, es un tipo particular de música árabe-andaluza.

 

 

En las zonas urbanas utiliza instrumentos de cuerda ( violín , oud y kanun ) y percusión ( darbuka ) mientras que en las zonas rurales también puede ir acompañado de instrumentos como el mezoued , gasba y zurna .

 

A principios del siglo XX, la actividad musical estuvo dominada por el repertorio litúrgico asociado a diferentes cofradías religiosas y repertorio profano que consistía en piezas instrumentales y cantos de diferentes formas y estilos de origen andaluces, esencialmente tomando prestadas características del lenguaje musical.

En 1930 se fundó The Rachidia muy conocido gracias a artistas de la comunidad judía. La fundación en 1934 de una escuela musical ayudó a revivir la música árabe andaluza en gran parte a un resurgimiento social y cultural liderado por la élite de la época que tomó conciencia de los riesgos de pérdida del patrimonio musical y que creían que amenazaba los cimientos de la identidad nacional tunecina. La institución no tardó en reunir un grupo de élite de músicos, poetas y eruditos. La creación de Radio Tunis en 1938 permitió a los músicos tener una mayor oportunidad para difundir sus obras.

Los años sesenta y setenta fueron testigos del surgimiento de compositores e intérpretes que trabajaban principalmente en la orquesta de la radio y televisión tunecina. Las canciones que utilizan melodías y ritmos populares experimentaron un aumento significativo. A partir de la década de 1980, la escena musical vio el surgimiento de una generación de músicos, compositores e intérpretes de formación musical árabe y occidental que creían que la música tunecina necesitaba nuevas técnicas de escritura de canciones. La aparición de nuevos patrones de música racial e improvisada desde finales de la década de 1990 cambió el panorama musical de Túnez. Al mismo tiempo, la mayoría de la población se siente atraída por la música de origen árabe (egipcia, libanesa o siria). La música occidental popular también ha tenido un gran éxito con la aparición de muchos grupos y festivales, incluida la música rock , hip hop , reggae y jazz .

Entre los principales artistas contemporáneos tunecinos se encuentran Hedi Habbouba , Saber Rebaï , Dhafer Youssef , Belgacem Bouguenna , Sonia M’barek y Latifa . Otros músicos notables incluyen Salah El Mahdi , Anouar Brahem , Zied Gharsa y Lotfi Bouchnak .

¿Qué te ha parecido? interesante verdad, próximamente te hablaré de la danza Tunecina.

 

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Ritmos de la música Árabe de 8/4 y 10/4

Ritmos de la música Árabe de 8/4 y 10/4

¡Hola! Hoy continuamos aprendiendo los ritmos de la música árabe, para esta ocasión los ritmos de 8/4 y 10/4 ¿estás preparada? ¡Adelante!

Los músicos modernos dividen la música en segmentos que se repiten de la misma longitud llamados compases.

La música árabe se compone sobre ciclos rítmicos llamados iqa‘at (singular iqa‘ ), son patrones de ritmos que repiten cada compás. Una composición puede alternar entre muchos iqa‘at diferentes. Cada iqa’ se define utilizando un compás prototípico y los dos sonidos básicos: dum (grave y resonante) y tak (seco y agudo).

Los iqa‘at árabes existen en muchos compases diferentes, que pueden ser pares o impares. Los compases más pequeños (2/4, 3/4, 4/4, 6/4 y 8/4) se utilizan principalmente en la música folclórica, el género tarab de mediados del siglo XX y la música popular contemporánea.

Los iqa‘at más largos (7/8, 9/8, 10/8 hasta 32/4) se usan principalmente en el género vocal tradicional Muwashahat.

A continuación exploraremos alguna muestra de iqa‘at árabes (Ritmos árabes) de 8/4 y 10/4

RITMOS DE 8/4 y 10/4

Nombre de Ritmo:

Masmoudi Kibir (grande)

Ritmo de Compás: 8/4

¿Cómo suena? : DD t D tt

Descripción:

El ritmo Masmoudi, pertenece a un área de música culta, es muy popular en las composiciones clásicas y árabes del siglo XX, pero también se encuentra en la música popular. Está muy extendida en Oriente Medio y el norte de África.

El Masmoudi es característicamente una unión de dos frases de cuatro tiempos. Algunas veces se le llama “Masmoudi kabiir (grande)” para diferenciarlo de un ritmo de 4 tiempos (Masmoudi saghiir). Con frecuencia la primera frase tiene 2 tiempos principales, pero también existe una variante aún más lenta, que se utiliza exclusivamente en la música culta. Esta variante se caracteriza por la presencia de 3 Dum consecutivos. dum dum dum tak tak dum tak tak tak llamada “Mosalas”.

¿Cuándo y como se usa?

Los masmoudis son bastante comunes en la música para danza oriental, históricamente también se les emplea en muwashashat, (una forma poética que incluye música y vocalización, poemas cantados) Es un ritmo muy conveniente y reconocible en el que la bailarina puede acentuar la danza.

Nombre de Ritmo: Chiftelety

Ritmo de Compás: 8/4

¿Cómo suena? : DTTTTDTT

Descripción:

Considerado un ritmo turco, desde el impero otomano influye en culturas musicales geográficamente diversas, como la árabe, la griega, persa, rumana, balcánica, etc.

Algunos percusionistas llaman al ritmo “taa-qa-siim” .Los percusionistas tienden a divertirse rellenando el final del ritmo de maneras inesperadas. Los egipcios tienden a tocar una versión más simple del ciftetelli que se puede encontrar en Turquía y llaman “waaHida taaqasiim” o quizá “waaHida kabiir”.

¿Cuándo y como se usa?

Es común en la danza oriental de estilo turco (conocido como gobek dans) y normalmente se le toca moderadamente lento y preferentemente . Algunas veces se utiliza para acompañar un taaqasiim (improvisación melódica).

RITMOS DE 10/4

Nombre de Ritmo: Samai

Ritmo de Compás: 10/4

¿Cómo suena? : D t DDt

Descripción:

Es un ritmo originario de Turquía y fue adoptado por los árabes tanto para composiciones instrumentales como vocales.

El samaa’ii (de una raíz árabe “sma”, que significa escuchar, principalmente música) es una forma turca de música clásica (algunos dicen “música turca aristocrática antigua) con una cierta estructura de secciones de 10 tiempos que normalmente acaba con un grupo más rápido de compases de seis tiempos.

Es muy común escuchar este ritmo en la música Andalusí, en el contexto Al Ándalus, un territorio conquistado por la civilización musulmana que corresponde a la península Ibérica.

¿Cuándo y como se usa?

Estos ritmos tienden a encontrarse más en la música clásica que en la folclórica del Oriente Medio.

Se utilizan muchos pasos de danza clásica, mucho relevé, con un aire principesco, la danza con este ritmo suele ser elegante y menos vulgar.

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-Dabke-La danza de Libano, Siria, Palestina, Jordania.

-Dabke-
La danza de Libano, Siria, Palestina, Jordania.

    ORIGEN

El origen del dabke (دنكة) (debka/debke/debkeh/dabka), que en árabe significa “zapateo”, se da en el norte del Líbano.

    ¿EN QUÉ CONSISTE?

En esta región, desde la antigüedad, las casas eran de piedras y barro, con sus techos de postes de madera, paja y barro. Para construirlos se colocaban sobre ellos unos tirantes, semejantes a los postes de teléfono, y luego se les hacia una capa de paja, ramas y barro de 50 centímetros de espesor, que debían quedar bien apisonada y firme. Este trabajo requería de mucha gente y tiempo; es por esto que se hacia en grupos, generalmente de vecinos que se reunían para ayudarse entre si. Como el plegado de la tierra debía ser uniforme en todos los lugares, se alineaban tomados de la mano y daban un paso adelante y un pisotón, luego un paso hacia atrás y un pisotón. Al ser un trabajo tan arduo, con el fin de amenizarlo algunos recitaban una poesía, o mejor dicho la cantaban e iban bailando al ritmo de ella, dando un paso adelante y un pisotón, un paso a la derecha y un pisotón. De a poco estas poesías fueron tomando una forma propia: los ancianos del pueblo recitaban atebas, cantos similares a las payadas folclóricas argentinas que comenzaban en un llamado con la voz “… Ouf, ouf, ouf…”, y hacían alusión a hechos y personajes de la vida cotidiana, como el trabajo, las muchachas o el paisaje, y relataban también experiencias alegóricas como podía ser la guerra. Con el correr del tiempo se agregaron instrumentos de música como el mijwez, que significa flauta, lo que dio el origen al baile y música del dabke.

Con los siglos, esta danza se fue difundiendo y diversificando por diversas regiones del Líbano, Siria, Palestina, en parte a partir del tipo de tierra que utilizaban las construcciones y la fuerza necesaria para apisonarla, lo que originó dabkes más suaves en algunos lugares que en otros. Las diferencias también daban cuenta de las costumbres de la zona, como ser la usanza de bailar en grupos mixtos, o de mujeres y hombres por separado, Es importante también el espacio de relación que ofrecía este momento, en que los vecinos de la comunidad se reunían a trabajar en un ámbito de alguna manera festivo. En particular para los jóvenes, que tenían allí la posibilidad de encontrarse con sus amadas, bailar con ellas y tomarse de las manos.

   LEVANTE MEDITERRANEO 

La región del Levante o más específicamente el Levante mediterráneo es el término con el que se nombra históricamente a una gran zona de Oriente está limitado por Palestina, Turquía, Israel, Líbano, Siria y Egipto.

    EL DABKE COMO DANZA POPULAR Y COMO ESPECTÁCULO COREOGRAFICO 

A la hora de enseñar o transmitir el espíritu del dabke, es importante diferenciar lo que es el baile como práctica social o comunitaria, de la interpretación coreográfica que puede montarse en base a esa danza en el marco de un espectáculo teatral o musical. Como todas las danzas tradicionales, el folclore surge como representación o simbolización de las actividades típicas de las comunidades, ejecutadas al compás de la música local, y también como una celebración de la propia cultura. En este sentido, podremos encontrar grandes rondas de dabke en diferentes fiestas, en reuniones sociales, e incluso en jornadas de trabajo. La particularidad en este caso, es que el baile es parte de la velada como un instante de festejo o recreación, en el cual los participantes eligen si sumarse o no, haciéndolo en forma espontánea y sin una secuencia preestablecida de pasos y variaciones. El baile, como dijimos más arriba, es el momento en que los miembros de la comunidad se juntan para compartir un momento al ritmo de la música propia de su tierra, o de la tierra de sus ancestros. La figura más común es la clásica ronda, en algunos casos muy extensa (aún así, siempre es una sola ronda, que no se corta ni se divide), con sus diferentes partes: un ras, punta o cabeza, en el que rotan los asistentes que lo desean marcando saltos o movimientos diferenciados y llamativos; tal vez en algún sector de la ronda un karshe; mientras que el resto de la gente sigue la música con un paso básico. La elección de los pasos queda a criterio de los bailarines, y no necesariamente todos deben realizarlos de igual forma. Algunas veces, una o más personas salen del conjunto a danzar por su cuenta, pero siempre retornan a su lugar. Fuera de ello, no habrá figuras o pasos (individuales o colectivos) más complejas. El montaje de coreografías folclóricas, si bien debe conservar el espíritu de la danza tradicional, incorpora otros elementos escénicos que son necesarios para cumplir con los patrones estéticos, musicales y armónicos de cualquier puesta en escena.

Antes de enumerar estos aspectos, hay que tener en cuenta una variante esencial que se produce entre el dable popular y el dabke coreográfico. El primero es una práctica que se realiza entre los miembros de la comunidad para su propia diversión o entretenimiento. En cambio, las puestas coreográficas están pensadas para un público que no participa de la misma, y al que le queremos transmitir algo, una emoción, una historia, un mensaje. En función de ese mensaje, armaremos todo lo demás.

   MÚSICA:

En principio, la elección de la música responde a la idea y el estilo particular que tiene la coreografía. A diferencia de lo que sucede en fiestas y reuniones en las que, por lo general, se opta por canciones o ritmos alegres y en lo posible populares o conocidas, en este caso el carácter del tema que elegimos (alegre, melancólico, rústico, moderno, estilizado, etc.) depende de lo que queremos transmitir.

En segundo lugar, las figuras y los movimientos grupales rompen con el esquema típico de la línea o la ronda. Si bien podemos incluir rondas o líneas en el armado, la composición coreográfica permite romper la estructura más tradicional del dabke y experimentar con formas diferentes, jugando con los estilos, la simetría (o la ausencia de la misma), los pasos grupales o de solistas, y muy especialmente con los ribetes que proponga la música que vayamos a utilizar. En tercer lugar, también los pasos y los movimientos individuales rompen el esquema base del dabke, ya que trascienden los pasos básicos. Aunque podamos usar los pasos básicos en alguna parte de la coreografía, de la misma forma que con la figura de la ronda, lo ideal es prolongarlos y generar movimientos y secuencias más complejos, que se adapten a la música que elegimos y al mensaje que esperamos hacer llegar al público; incorporando distintas partes del cuerpo (a diferencia de la ronda, en la que los participantes están agarrados de la mano), y aprovechando también la destreza y la expresividad de cada bailarín.

Finalmente, para tener una noción más clara de las diferencias entre el dabke popular y el dabke coreográfico, y también de las formas en las que podemos combinar estas variantes, es recomendable observar imágenes y videos de ambas. De esta forma, podremos imbuirnos del espíritu festivo y la fuerza que transmite esta danza en su esencia folclórica y popular, y enriquecerla con los aportes de la composición coreográfica y teatral que toma como eje la mirada y la emotividad del público, que la observa desde afuera.

   VESTUARIO

Sheruel: (panatalon) tiene un origen otomano, es un pantalón que tiene muchos pliegues de tela en su parte central, Keffiyeh: Pañuelo que mide 1,2 metros de largo, hay muchas formas de nombrarlo, hatata, zolok, hatha……. suele ser de 3 colores principalmente y sus combinaciones rojo, blanco, negro. El vestuario Dabke Palestino tiene bordados en punto de cruz a mano.

¡Espero que te haya gustado conocer en profundidad esta danza, te comparto a mi grupo  bailando Dabke!

  1. Fuente: Luz Khazen (Argentina)
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Cultura árabe

FARID AL-ATRACH

Farid Al-Atrach

Farid al-Atrash, nació un 19 de octubre de 1910 en Siria, y falleció el 26 de diciembre de 1974, a los 64 años en Beirut, Líbano. Fue un compositor, cantante, virtuoso del laúd y actor sirio-egipcio. Después de haber emigrado a Egipto a la edad de nueve años con su madre y sus hermanos, estudió allí con numerosos músicos respetados. Al-Atrash se embarcó en una carrera de gran éxito que abarcó más de cuatro décadas: grabó 500 canciones y protagonizó 31 películas.

A veces denominado “Rey del Oud”, es una de las figuras más importantes de la música árabe del siglo.

   PRIMEROS AÑOS 

Al-Atrash nació en Al-Qurayya , en el sur de Siria de la familia principesca drusa al-Atrash que luchó contra el ejército colonial francés. Su padre era sirio y su madre era libanesa. Cuando era niño, al-Atrash, emigró con su madre y sus hermanos a Egipto, escapando de la ocupación francesa. Posteriormente, fueron naturalizados por el gobierno egipcio como ciudadanos. La madre de Farid cantaba y tocaba el Oud, lo que estimuló su interés musical a una edad temprana.

Cuando era niño y adulto joven, al-Atrash cantaba en eventos escolares. Estudió en el conservatorio de música de Egipto y se convirtió en aprendiz del famoso compositor egipcio Riad Al Sunbati .En la década de 1930, al-Atrash comenzó su carrera como cantante profesional trabajando para estaciones de radio egipcias de propiedad privada. Eventualmente, fue contratado como intérprete de laúd para la estación de radio nacional y más tarde como cantante. Su hermana, Asmahan, también era una cantante talentosa y durante un tiempo trabajaron juntos. En 1941, protagonizaron su primera película de éxitoIntisar a l-Sha ab (انتصار الشباب -El triunfo de la juventud , 1941), en la que el propio Farid compuso toda la música.

  FAMILIA 

Su hermana menor, Asmahan, demostró un talento musical similar en su adolescencia, convirtiéndose en una de las cantantes y estrellas de cine más populares a finales de los años treinta y principios de los cuarenta. Farid es más conocido que Asmahan, porque su carrera se vio interrumpida por su muerte en un accidente en 1944. Sin embargo, inicialmente se vio eclipsado por el talento y la popularidad de su hermana. Con la madurez y la forja de una fórmula de actuación exitosa, Farid se hizo famoso por derecho propio. Incluso hoy en día, se entiende inmediatamente que la referencia al nombre de pila “Farid” en el contexto de la música árabe o la cultura popular denota al propio al-Atrash.

 

   CARRERA MUSICAL 

Al-Atrash tuvo una carrera musical larga y colorida que duró cuatro décadas. Compuso canciones musicalmente diversas y fue un compositor, cantante e instrumentista de gran prestigio. Al-Atrash sostuvo que aunque parte de su música tenía influencia musical occidental, siempre se mantuvo fiel a los principios de la música árabe. Aunque la mayoría de sus composiciones fueron canciones románticas de amor, también compuso varias canciones patrióticas y religiosas.

Uno de los rasgos más inusuales y distinguibles de al-Atrash era su voz. Alto y suave al comienzo de su carrera, evolucionó hacia un sonido más amplio y profundo. A una persona que no esté familiarizada con su trabajo le resultaría difícil creer que el cantante de “Ya Reitni Tir” (década de 1930) y “Adnaytani Bil Hajr” (década de 1960) fueran el mismo cantante.

Su estilo de canto era profundamente apasionado.

En muchas de sus canciones, y en casi todos sus conciertos, al-Atrash cantaba un mawal , que es una improvisación popular local egipcia en voz lenta de unas pocas líneas poéticas. Estas improvisaciones a veces duraban hasta 15 minutos. El mawal era uno de los favoritos de sus fans. Algunas de las canciones más famosas incluyen “Rabeeh” (Primavera), “Awal Hamsa” (primer susurro), “Hekayat Gharami” (historia de mi amor), “Albi Wa Moftaho” (mi corazón y su llave), “Gamil Gamal “, “Wayak”, ” Ya Zahratan Fi Khayali ” (يا زهرة في خيالي – “Flor de mi imaginación), “Bisat Ir Rih” (alfombra voladora), “Ya Gamil Ya Gamil”, “Ya Habaybi Ya Ghaybeen”, ” Eish Anta”, y “sa3a bi 2orb el habib” (una hora en compañía del amado).

   CARRERA CINEMATOGRÁFICA 

Al-Atrash protagonizó 31 películas musicales egipcias entre 1941 y 1974. Su última película, Nagham Fi Hayati (نغم في حياتي, Songs in my life) se estrenó después de su muerte. Todas sus películas excepto las dos últimas fueron en blanco y negro. Iban desde comedias hasta dramas, o una combinación. Compuso todas las canciones de sus películas, incluidas las canciones cantadas por otros cantantes e instrumentales (generalmente rutinas de danza del vientre). Sus películas anteriores incluirían aproximadamente diez canciones, pero en general las películas tendrían un promedio de cinco canciones cada una. Algunas de las películas más conocidas de al-Atrash incluyen Intisar al-Shabab (انتصار الشباب – El triunfo de la juventud , 1941), Yom Bila Ghad , Ahd el-Hawa y Lahn al-Kholoud.(لحن الخلود – “Eternal Tune”, 1952), Resala min Imraa Maghoola (رسالة من امرأة مجهولة – A Letter from an Unknown Woman , 1962) producido por su amigo cercano Salah Zulfikar , actor y productor.

El éxito rápido trajo al joven un estilo de vida de clubes nocturnos, aventuras amorosas y juegos de azar. Pronto Farid estaba endeudado y se encontró abandonado por su madre que lo desaprobaba. Durante este período difícil de su vida, también soportó la muerte de su hermana y compañera de actuación Asmahan. Farid encontró consuelo en una relación con la bailarina de danza del vientre Samia Gamal , por quien lo motivó a arriesgar todo lo que poseía.

En 1947 produjo y coprotagonizó una película con Samia dirigida por Henri Barakat ; Habib al-‘Oumr (“El amor de mi vida”, 1947), que se convirtió en un gran éxito. Después de esto vino Afrita Hanem(“Madame la diablesse”, 1949).Cinco películas después, la pareja soltera se separó. Farid continuó trabajando con otras estrellas de cine en numerosas películas de éxito en las que siempre tuvo el papel principal romántico de un cantante triste, incluso eligió repetidamente el nombre de su personaje como “Wahid”, que significa solitario.

Al-Atrash se negó a casarse, alegando que el matrimonio mata el arte.

En sus películas, el público recordaba más a sus protagonistas y sus hermosas canciones que a los argumentos.

Antes del golpe de estado militar de 1952 contra el rey Farouk I , al-Atrash se hizo amigo de la consorte de Farouk, la reina Nariman , una relación que continuó después del divorcio de la reina y el golpe que le costó el trono a Farouk. La familia de la ex reina no aceptó a al-Atrash, y la separación de Nariman envió al cantante a una larga depresión, el comienzo de problemas de salud que empeoraron a partir de ese momento hasta su muerte.

A medida que al-Atrash se hizo mayor, reconsideró su opinión sobre el matrimonio y le propuso matrimonio a la cantante egipcia llamada Shadia, pero en el último momento se retractó. A estas alturas, su salud era mala y temía dejarla viuda. A menudo interpretaba ese escenario y cantaba sobre él en sus películas románticas. También estaba comprometido para casarse con Salwa al-Qudsi al final de su vida.

Otros afirmaron: “Se mantuvo soltero durante toda su vida”pero posiblemente tuvo un breve matrimonio ‘urfi. y otra cantante nacida en Marruecos, Maya Casabianca, lo llamaron el “amor de su vida” (aunque no se casaron).

 

Se caracterizó a sí mismo en una versión bastante idealizada de un artista moderno.”Las historias de sus aventuras amorosas fueron muy populares durante su vida y aparentemente se fusionaron con las letras de sus canciones de amor”. (Zuhur en Ouzgane 2003)

   MUERTE

Al-Atrash sufrió problemas cardíacos durante sus últimos 30 años. En los últimos años de su vida, se volvió físicamente más delgado y su voz para cantar se volvió ronca a medida que se intensificaba. Aunque estaba luchando por su salud, continuó produciendo películas y actuando en conciertos hasta que murió.

El lunes 24 de diciembre de 1974 los médicos le dijeron a al-Atrash que después de dos días podría irse a casa. Esto se debió a que notaron que a Farid no le gustaba el hospital, ni los medicamentos ni la comida que le proporcionaba el hospital. El 26 de diciembre de 1974, al-Atrash murió en Beirut , Líbano , en el hospital Al Hayek, poco después de llegar de Londres. Al-Atrash está enterrado en El Cairo , Egipto , junto a su hermana y su hermano.

  LEGADO

Durante su vida, al-Atrash protagonizó 31 películas y grabó aproximadamente 350 canciones. Compuso canciones para los mejores cantantes árabes, sobre todo para su propia hermana, Asmahan , así como para Wadih El-Safi , Shadia, Warda y Sabah . Está ampliamente considerado como uno de los cuatro “grandes” de la música árabe y egipcia , junto con Abdel Halim Hafez , Mohammed Abdel Wahab y Oum Kalthoum . [21] El notable guitarrista instrumental egipcio Omar Khorshid hizo una versión de las canciones de Farid al-Atrash en un álbum tributo.

Sus piezas musicales fueron producidas por el sello Voice of Lebanon, fundado por Robert Khayatt. todo el catálogo fue adquirido por Mazzika [22] Group a principios de la década de 2000.

El 19 de octubre de 2020, Google celebró su cumpleaños número 110 con un Doodle de Google

Vienen a mi mente todas las canciones que he bailado desde mis comienzos, aquí te muestro hebbina hebina de farid el atrach en el año 2005.

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Cultura árabe Danza Oriental

DESCUBRIENDO A LAS “NAILIYAT” (BAILARINAS DE OULED NAIL)

Descubriendo a las "Nailiyat" (Bailarinas de Ouled Nail)

Las danzas orientales nunca dejan de sorprenderme, cada vez que estudio o investigo… algo nuevo me encuentro. Había visto y escuchado acerca de las Ouled Nail, sobre todo esta imagen, unida a la curiosidad por saber algo acerca del país de origen de mi pareja, (el padre de mis hijos). Las danzas orientales albergan diferentes y variadas personalidades, dependiendo de la región geográfica en la que nos situemos. Hoy hablaré sobre las bailarinas y mujeres de “Ouled Nail”.

  ¿DONDE VIVEN?

Las Ouled Naïl (ulɛdˈ naɪl), en árabe أولاد نايل‎‎, son una tribu que vive en Ouled Naïl, en las montañas Argelia. Se encuentran principalmente en Bou Saâda, M’Sila y Djelfa , pero también hay un número significativo de ellos en la provincia de Ghardaïa, más allá de su región ancestral. La tradición oral del pueblo Ouled Naïl afirma que la antigua ascendencia árabe de las tribus llegaron a la zona hace unos mil años.

Los Ouled Naïl son un pueblo seminómada o nómada que vive en las tierras altas de la cordillera del Atlas sahariano a la que dieron su nombre. La ciudad de Djelfa ha sido tradicionalmente un importante mercado y centro comercial para los Ouled Naïl, especialmente para su ganado. Los Ouled Naïl han criado tradicionalmente ganado como nómadas en sus pastizales de montaña, así como en la región norte de Hodna y los Dayas en el sur.

¿QUIENES ERAN, QUE HACÍAN?

Aunque sus funciones y actividades principales en su medio rural estaban relacionadas con la cría de animales, la mayoría de las mujeres se formaron en el arte de la danza y el canto desde la infancia. Por lo tanto, para las mujeres Ouled Naïl, la práctica de dejar su hogar ancestral y establecerse en un pueblo desierto cercano como artistas era común. Esto era especialmente así en tiempos de desastre y hambruna, cuando una mujer tenía relativa libertad para valerse por sí misma a fin de sobrevivir, ahorrar dinero y mejorar su situación económica futura.

Trabajaban durante un tiempo como bailarinas y prostitutas para amasar una fortuna personal con la que comprar propiedades en casa, y solo después de haberlo hecho buscaban matrimonio.

Las Nailiyat eran, por lo tanto, no solo notablemente independientes según los estándares de las culturas tribales o musulmanas, sino incluso según los estándares tradicionales de las culturas europeas; disfrutaban de una libertad desconocida por cualquiera excepto por las mujeres más ricas y audaces antes de la “revolución sexual”, y de hecho mayor que la de muchas mujeres “liberadas” hasta el día de hoy.

Las Nailiyat no estaban obligadas ni se esperaba que practicaran el baile y la prostitución, pero era más común y el comercio se daba en familias. Las hijas aprendían el baile y las artes eróticas de sus madres, y alrededor de los 12 años comenzaban a viajar a las ciudades parte del año, acompañadas de sus madres, abuelas o tías (quienes no solo las aconsejaban y ayudaban, sino que también cuidaban la casa). ). Por lo general, regresaban a casa por temporadas y, a medida que crecían y adquirían más experiencia, a veces podían hacer los viajes con hermanas o primas de edad similar, o más tarde graduarse para acompañar a parientes más jóvenes. Después de cinco a quince años de trabajo (según las aspiraciones y el nivel de éxito del individuo), un Nailiya generalmente regresaba a casa de forma permanente, compraba una casa y un jardín y comenzaba a aceptar pretendientes; después del matrimonio, se instalaría en el papel doméstico normal y la fidelidad conyugal que tradicionalmente se espera de las mujeres en todo el mundo, y cuando tenia hijas propias, las entrenaba y las acompañaba a las ciudades a su vez. Las mujeres de las tribus Ouled Abdi y Ouled Daoud a veces también trabajaban como bailarinas y prostitutas, pero a diferencia de Ouled Nail, solo lo hacían después de quedar huérfanas, divorciadas, viudas o sin apoyo financiero.

Nadie sabe cuándo comenzó la tradición, pero probablemente es anterior al advenimiento del Islam porque el nombre de la ciudad principal (250 km al sur de Argel) a la que vienen a trabajar, Bou Saâda, significa “Lugar de felicidad” en árabe, por lo que testificando de su presencia allí cuando los árabes llegaron por primera vez.  Poco después de que los franceses conquistaran Argelia en 1830, a su vez descubrieron a estos emisarios de una cultura extranjera y, al igual que los árabes antes que ellos, quedaron asombrados y fascinados por lo que encontraron.

VESTIMENTA

La Nailiya típica usaba un vestido en capas, pesados ​​brazaletes de plata con púas que podían usarse como armas y abundantes joyas hechas con monedas que había ganado. Acentuaban sus ojos con kohl, decoraban sus manos y pies con diseños de tatuajes henna. Llevaban vestidos con volantes o prendas holgadas llamadas “meliah”, ceñidas a la cintura con alfileres de peroné en la clavícula a cada lado del vestido. Para mayor protección contra los hombres agresivos, también usaban pulseras con puntas afiladas y tachuelas.

El dinero ganado, principalmente en forma de monedas de oro o plata, se entretejía en sus trajes, mostrando su éxito e importancia. Las bailarinas se tatuaban la cara y se engrasaban el pelo, que llevaban en grandes trenzas atadas en pendientes. También eran muy comunes los tocados decorados con puntas de avestruz y plumas.

El atuendo de la bailarina de Ouled Nail ha influido mucho en el vestuario de la danza tribal estadounidense hasta el día de hoy.

CURIOSIDADES

Las Nailiyat bailaban eróticamente (y en las últimas partes de sus espectáculos, a veces sin ropa), fumaban tabaco y marihuana, se prostituían abiertamente con el pleno conocimiento y cooperación de sus madres y aceptaban a los niños nacidos fuera del matrimonio (especialmente si eran hijas).

Pero aunque los franceses y otros europeos disfrutaron de sus bailes y otros servicios, no pudieron o quisieron no entender sus tradiciones y dinámicas culturales. Dado que los hombres de la tribu no abandonaron sus tierras natales, las comunidades de Ouled Nail en los pueblos estaban compuestas en su totalidad por mujeres; Los primeros etnógrafos no entendieron esto, por lo que algunos describieron el baile y la prostitución de Nailiyat como un “rito de iniciación” prematrimonial similar al acto único de prostitución sagrada que Heródoto dice que todas las mujeres babilónicas tenían que realizar.

Otros caracterizaron la acumulación de riqueza como “ganar una dote”, alegando que el motivo era hacerse más casaderos y que la dote se entregaría al novio; señalaron la exhibición de riqueza (las monedas montadas en sus joyas) como evidencia de esto. En verdad, las mujeres exhibieron así su riqueza por razones prácticas; era más seguro donde pudieran vigilarlo que dejarlo en otro lugar para que lo robaran.

Y como hemos visto, no entregaron el dinero a sus maridos, sino que mantuvieron el control de él incluso después del matrimonio; de hecho, algunos de los Nailiyat disfrutaron tanto de la vida de la ciudad que nunca regresaron a casa, sino que continuaron trabajando como bailarinas y prostitutas hasta que pudieron asegurar un matrimonio ventajoso con un forastero o establecerse en algún otro negocio (un café propio, quizás) en Bou Saâda o incluso en Argel.

Debido a que tenía medios independientes, una Nailiya podía casarse por amor, y debido a que no tenía ilusiones románticas sobre el sexo (como he señalado en referencia a las prostitutas modernas), no tenía la tentación de engañar después del matrimonio. Los hombres de su tribu entendieron y apreciaron esto; en su libro Flauta de arena (1956), Lawrence Morgan cita a uno de ellos: “Nuestras esposas, sabiendo lo que es el amor y teniendo riqueza propia, se casarán sólo con el hombre que aman. Y, a diferencia de las esposas de otros hombres, permanecerá fiel hasta la muerte, gracias a Allah”.

Pero, lamentablemente, esta importante verdad se pierde en aquellos que sufren de conceptos erróneos sobre la prostitución; la idea de que los Nailiyat “bailaban por sus dotes” (ignorando su prostitución y restando importancia a su independencia financiera). Se dice que las Nailiyat no eran prostitutas “verdaderas” porque la mayoría de ellas eran selectivas en cuanto a la clientela y cobraban por su compañía más que por actos específicos.

OCUPACIÓN FRANCESA

Pero aunque su contacto con la cultura occidental difundió la fama de Nailiyat, también los condenó. Los deshonrosos y desarraigados mercenarios franceses que se desenfrenaron en Argelia durante las primeras décadas de la ocupación francesa. La creencia europea del siglo XIX de que las prostitutas son infrahumanas, a veces asesinaban a las Nailiyat. El gobierno francés tampoco las trató con humanidad; en la tiranía moralista de la era de la pureza social inspiró a los funcionarios franceses a clasificarlas como prostitutas y someterlas a restricciones arbitrarias de viaje y residencia, fuertes impuestos y licencias, tarifas y multas ruinosamente caras.

PRIMERA GUERRA MUNDIAL

Para la Primera Guerra Mundial, se vieron reducidas a trabajar en cafés con licencia especial (propiedad, como es habitual en tales regímenes, de personas políticamente conectadas) cuya gerencia ideó formas de extorsionar aún más dinero del Nailiyat, cada vez más explotado. Privadas así de sus medios tradicionales de subsistencia, muchas de ellas aprovecharon la oportunidad de ganar un buen dinero en los nuevos Bordels Mobiles de Campagne.(BMC), burdeles móviles alojados en camiones de remolque que se utilizaron para llevar prostitutas a los soldados en el frente o en puestos de avanzada aislados; estos burdeles fueron utilizados por el ejército regular francés hasta 1954 y en la Legión Extranjera hasta finales de los 90. Las descripciones del personal de los BMC los describen invariablemente como “argelinos”, pero eran específicamente Nailiyat (aunque en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial se unieron muchas mujeres vietnamitas).

SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Al final de la Segunda Guerra Mundial, la forma de vida de los Ouled Nail había cambiado irreversiblemente, y el gobierno socialista autoritario que tomó el poder después de la independencia de Argelia en 1962 terminó el trabajo colectivizando la agricultura y asimilándola por la fuerza. A principios de la década de 1970, se encontraron un pequeño grupo de bailarinas y músicos que aún vivían y actuaban en Bou Saada, y se grabaron músicas como “Music of the Ouled Nail” ;esta grabación, contiene una serie de fotografías y pinturas. Las imitaciones de su moda y estilos de baile por parte de las bailarinas del vientre estadounidenses desde la década de 1960 son todo lo que queda de una cultura que alguna vez fue única y fascinante, ahora convertida en el polvo del Sahara por los esquemas retorcidos de tiranos.

TRAS LA INDEPENDENCIA

Después de que Argelia obtuvo su independencia de Francia en 1962, las Ouled Nail fueron encontradas pero en menos medida. No obstante, se encontró con algunas de estas mujeres actuando en Bou Saada y en una reunión tribal en Chellala. Pero eso fue hace 30 años: me pregunto si todavía están bailando, yo creo que si pero a escondidas en sus casas…

Auguste Maure , un fotógrafo orientalista que vivió en Biskra estuvo activo desde 1860 hasta 1907 y tomó muchas fotografías de las mujeres de la tribu Ouled Naïl, ataviadas con coloridos trajes tradicionales y cubiertas de joyas.

CONCLUSIONES

Aunque esta forma de arte se ha vuelto más conservadora a lo largo de los años, este baile sigue siendo sugerente y erótico. Sin embargo, esta danza permite a las mujeres conectarse con la feminidad y la alegría de vivir, también proporciona un mayor autoconocimiento de sí mismas . Aunque los bailarines de la tribu Ouled Nail han revelado lo que muchos ya han especulado, esta danza se ha convertido en una forma de arte que continúa perfeccionándose a lo largo de los siglos.

¿Qué te a parecido? A mi me ha resultado fascinante sentir las raíces de esta danza. Te animas a seguir descubriéndolo con migo… 

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Cultura árabe

¡PONTE GUAPA CON HENNA!

¡Ponte guapa con Henna!

Hoy te voy a hablar sobre la Henna, algo que utilizo mensualmente para teñirme el cabello, me hago mi propio mejunje. Al final de esta parte te lo comparto, ¡sigue leyendo! Lo que más me gusta de la henna es que cubre las canas de una manera natural (sin químicos) y que deja un perfume buenísimo a plantas en el pelo.

La henna o al-hinna es un elemento muy típico de la cosmética árabe. Se usaba para el cabello desde tiempos inmemoriales, se implantó en el mercado occidental como tinte de pelo semipermanente.

La henna, se extrae de la lawsonia inermis, una planta cuyas hojas se secan y pulverizan obteniendo un fino polvo utilizado para teñir; inicialmente tras el secado y pulverizado, tiene un color verdoso que es corregido posteriormente por la adición de una serie de aceites, obteniendo el color final. La planta crece en regiones con clima cálido como Egipto, La India o China.

La henna aparece alrededor del año 3000 a.C. en Egipto, en donde se utilizaba para los faraones entre otras cosas durante los rituales de momificación. También hay vestigios de su uso en La India por sus propiedades sanativas.

El tinte de alheña embellecía las manos y como barniz de uñas se espesaba con cato, que se extrae de distintos árboles, entre ellos la acacia; con este mismo tinte los hombres teñían su cabello y barba es de hacer notar que hombres, mujeres o niños gozaban del privilegio del uso de los cosméticos siempre y cuando fueran de clase pudiente.

El tatuaje de henna, es uno de los rituales de la cultura árabe antes de la boda que se realiza cuando la pareja completa todas sus preparaciones. En la Noche de Henna se le da ánimo a la novia para su nueva vida, para que sea feliz y tranquila al desplazarse a su nuevo hogar junto con su marido.

  • TRATAMIENTO CAPILAR

Durante siglos y siglos, la henna ha venido siendo utilizada en tratamientos para el cuidado del cabello. No cambia la composición química capilar, por lo que no le produce ningún daño.

El uso de productos para peinado y la contaminación en el aire, entre otros factores, puede formar una película que cubre el pelo, lo debilita, e ayuda a perder la humedad y el brillo.

Factores externos como el estrés, el sol, o el viento, afectan al cuero cabelludo produciendo copos de caspa o suciedad. La caspa son simplemente células de piel muerta y partículas de polvo.

La henna cubre el pelo con una capa protectora que aumenta su grosor y el cabello se fortalece, obteniendo brillo y volumen. Sus propiedades astringentes y antibacterianas acaban con la seborrea y eliminan la caspa.

  • PROPIEDADES

1-Contra caída de pelo

2-Para retrasar salida de las canas

3-Para obtener un pelo fuerte y con brillo

Cuando el pelo luce seco, frágil, sin brillo y con las puntas abiertas y quebradizas es sintonía de que esta profundamente dañado y maltratado. Las causas pueden ser varias, desde un excesivo uso de secadores y planchas, hasta mala alimentación o agresivas exposiciones al sol.

  • TRATAMIENTO CORPORAL

El tratamiento corporal con Henna consiste en la aplicación de henna sobre la piel, provocando su exfoliación.

La nueva piel, mas regenerada, es mas suave y menos rugosa y atenuando las cicatrices originadas por el acné y las arrugas finas, cerrando los poros. Se obtienen distintos beneficios, como el aumento del colágeno, despigmentación de manchas de la piel o el control sobre la grasa y bacterias en las pieles acnéicas.

Además ayuda a adquirir un moreno natural en invierno. En verano ayuda a proteger a la piel de los rayos del sol y obtener un bronceado mas intenso sin quemarte.

Y AHORA SI, ¡MI MEJUNJE!

-Coloco en un bol de plástico la mitad de la caja de henna que compro en la herboristería, generalmente de la marca Radhe Shyam, por que tiene gran gama de tonos.

-Hecho un chorrito de algún aceite vegetal que tenga por casa, bien sea de argán, almendra o cualquier otro macerado por mi para que aporte hidratación al cabello.

-También unas gotas de aceites esenciales que tengo a mano…

-Un huevo

-Cubrir con agua templada para hacer una pasta y revolver.

-Finalmente me lo aplico dejándolo el mayor tiempo posible desde 1 a 2 horas.

-Hay gente que que le hecha en vez de agua, concentrado, incluso hecha mascarilla capilar desenredante (esto ya es personal).

Si quieres recuperar el estado natural de tu cabello para que luzca bonito y sano, utiliza enhena natural , (sin químicos). ¡Todo un regalo de las antiguas civilizaciones!

¿Qué te ha parecido? Espero que te haya gustado descubrir los diferentes usos y propiedades que tiene la henna . ¡Ya estas yendo a la tienda a comprarla!

 

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Cultura árabe

RITMOS DE LA MÚSICA ÁRABE DE 2/4

Ritmos de la música Árabe de 2/4

¡Hola! Hoy continuamos aprendiendo los ritmos de la música árabe, para esta ocasión los ritmos de 2/4 ¿estás preparada? ¡Adelante!

La música árabe es una de esas músicas del mundo que tienen desarrollado un gran caudal expresivo y artístico en lo rítmico a través de sus instrumentos de percusión y de la gran variedad de ritmos que la caracterizan. La música árabe ha sido transmitida por tradición oral, ya que antiguamente no existían registros de partituras, en la actualidad muchos músicos árabes han incorporado las formas de partituras occidentales o han inventado otras técnicas de escritura, pero aun así se diferencian significativamente con la música occidental, sin perder su carácter esencial de la libertad de improvisación.

RITMOS DE 2/4

1-Nombre de Ritmo: Malfuf

Ritmo de Compás: 2/4

¿Cómo suena? : Dum-tak-tak

Descripción:

Rápido y acentuado. La palabra malfuf en árabe significa enrollado o envuelto, es conocido en Siria y el Líbano como Laff. Es un ritmo de dos tiempos que se puede encontrar actualmente como base de muchos otras composiciones que no son de medio oriente, pero a la vez también se puede encontrar en muchas danza folclóricas árabes. La estructura del ritmo tiene como característica su sencillez y que contiene un DUM (sonido grave) inicial muy marcado seguido por dos TAK (sonido agudo).

¿Cuándo y como se usa?

Se utiliza mucho como principio o final de las piezas musicales como presentación de la bailarina antes de su baile principal, o como final y despedida de su baile. Se puede tocar de una forma mas lenta o mas rápida, dependiendo del derbakista, o variar la rapidez dentro de una misma tocada.

El elemento velo es muy utilizado para este tipo de ritmo por su espectacularidad en las entradas y salidas de las rutinas orientales, aunque este elemento, suele arrojarse cuando este ritmo termina y da paso a otro.

 

Nombre de Ritmo: Fallahi

Ritmo de Compás: 2/4

¿Como suena? : Dum- tak- tak- Dum- tak

Descripción:

Es un ritmo muy rápido de dos tiempos. Como un maqsoum tocado en un ritmo de dos tiempos, (doble de rápido)

¿Cuándo y como se usa?

Es un ritmo muy utilizado en la música folclórica egipcia, común en el alto Egipto, utilizada para la danza (falaah) refiriéndose a la gente del campo o campesino que vive cerca de las orillas del nilo.

3-Nombre de Ritmo: Ayub

Ritmo de Compás: 2/4

¿Cómo suena? : Dum -tak- dum- tak

Descripción:

Es rápido y monótono. Sirve para acelerar la música. Es utilizado para la danza del Khaleegi y el Zar (danza ritual). Se toca en áreas del Oriente Medio, desde Turquía hasta Egipto. Tiene como característica un DUM o sonido grave al comienzo.

¿Cuándo y como se usa?

Su sonido es bastante rítmico y por eso se usa en danzas rituales , y en algunas músicas Sufi, ya que tiene a una monotonía rítmica que ayuda a inducir estados de trance, Resulta tener cierto espíritu místico, y se suele bailar mucho movimiento del pelo, por este motivo su danza se conoce como ‘la danza del cabello. Algunos dicen que el ayub suena como un camello caminando.

¿Te gustaría aprender a bailar estos Ritmos árabes conmigo? (Pincha aquí) https://bailaconmiren.com/producto/baila-los-ritmos-arabes/

 

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Astrología islámica (árabe)

Astrología islámica (árabe) - predicción 2022 horóscopo.

La astrología islámica tiene sus raíces en el mundo espiritual del Antiguo Egipto. No obstante, en los antiguos reinos no existía una verdadera astrología. La mitología egipcia era lo que podría definirse como un mundo espiritual politeísta, sin principios de mitología astral como la que había surgido en el espacio mesopotámico (sumerios, babilonios, caldeos, persas y áreas limítrofes).

Sólo la lenta desintegración del imperio absolutista del templo en el siglo VI a.C. y el aumento del pensamiento patriarcal en ambas zonas permitió que en Egipto se empezara a escuchar a los emigrantes sacerdotes de los templos caldeos como «emisarios de la astrología».

Al principio se originó una rara mezcla de ambos mundos espirituales hasta que, en el 300 a.C., la conquista de Alejandro Magno llevó a Egipto la sabiduría espiritual griega (que ya había asimilado la astrología caldea).

A continuación se dio un largo proceso de intercambio cultural entre tres centros de gran importancia: Grecia, la India y Egipto. Y precisamente de este proceso proviene la forma básica de la astrología actual. El centro espiritual de este proceso fue Alejandría. Allí se encontraban los grandes pensadores de la Antigüedad y, hasta la aparición de Mahoma (en el 610 d.C.), en la biblioteca de Alejandría se fue acumulando lentamente todo el conocimiento de la Antigüedad. Ahí vivió y actuó también Ptolomeo (120- 180 d.C.). Y una gran cantidad de astrólogos árabes desempeñaron a continuación un papel esencial en el desarrollo matemático y el perfeccionamiento de las herramientas astrológicas manuales.

Pero sólo después de Mahoma y del incendio de la biblioteca de Alejandría (641 d.C.) se fue desarrollando paulatinamente una verdadera astrología islámica. Desde el siglo VIII al XII fue incluso el único refugio en el que la astrología sobrevivió a la oscura Edad Media, puesto que en Europa, tras la caída del imperio romano ésta casi había desaparecido.

Los astrólogos árabes, bajo la presión del fatalismo de las creencias islámicas, desarrollaron en las cortes de los califas una forma de pensamiento extremadamente determinista. El nombre árabe para la astrología es muy descriptivo «ILM AL AKHAM AL NUDSCHUM», esto es, la ciencia de la decisión de los astros.

La astrología islámica que, en general se describe como árabe, puede dividirse en tres períodos:

1) Ca. 750-900 d.C. = El crecimiento: 

2) Ca. 900-1275 = El florecimiento de las ciencias árabes.

3) Ca. 1275-1600= La decadencia.

Zodíaco árabe de los primeros tiempos manifiestamente según una presentación persa (siglo VIII ó IX).

En realidad, sólo puede describirse como astrología clásica árabe o islámica la realizada en los dos primeros períodos. A ella le debemos, por ejemplo, la precisión matemática de las herramientas astrológicas (cálculo de planetas, cálculo de casas, direcciones primarias y secundarias).

En este período se adoptó el sistema hindú de 27 casas lunares y se le dió una forma propia (con 28 casas lunares). Se desarrolló la astrología de grados conocida también como monómeros, grados simbólicos o grados de destino (cuyo origen es mucho más antiguo, probablemente babilónico). En esta época se produjo también una contribución muy importante: el desarrollo de las cifras, el sistema decimal árabe y el álgebra, avances sin los cuales el desarrollo posterior de las ciencias hubiera sido muy difícil.

*Extracto del Astroglosario de Bruno Huber (traducción: Joan Solé, 2000-2008)

A continuación te comparto la predicción del Horóscopo Zodiacal del año 2022 de un astrólogo que me encanta “Ignacio Lunar”. ¡Deseo que te guste!